Hay artistas que dibujan lo que ven, otros que pintan lo que imaginan, pero existen algunos —muy pocos— que logran algo más complejo: pintar lo que sienten… y hacer que los demás también lo sientan. Así es el universo del maestro Salomón Cohen, un artista que no solo ha recorrido más de tres décadas de trayectoria, sino que ha sabido reinventarse en un mundo donde el cambio ya no es una opción, sino una condición para existir.
La entrevista que sostuvimos, en una colaboración inédita entre LogoCómic y De Aquí Somos y Aquí Estamos, fue mucho más que una conversación sobre arte; fue un viaje hacia la mente de un creador que entiende que el lienzo no es un límite, sino un punto de partida. Desde el primer momento, su forma de hablar revela algo esencial: no es un artista que busque definir el arte, sino vivirlo. Para él, el arte no es un concepto rígido ni una teoría académica; es todo lo que nos rodea, todo lo que sentimos, todo lo que atravesamos como seres humanos. Es la vida misma transformada en expresión.
En tiempos donde muchos consideran que el arte abstracto es fácil o improvisado, Cohen rompe esa percepción con una claridad contundente. Antes de llegar a su estilo actual, atravesó distintas etapas: el hiperrealismo, el surrealismo, el expresionismo. Aprendió la forma antes de disolverla. Comprendió la estructura antes de liberarse de ella. Su abstracción no es un atajo, es una consecuencia. Es el resultado de años de búsqueda, de error, de insistencia.
Su técnica misma es un reflejo de esa exploración constante. Trabaja con acrílicos, con mezclas, con agua, con fuego. Sí, fuego. Su proceso no es únicamente pictórico, es casi ritual. Utiliza sus manos, deja que el material fluya, permite que el accidente ocurra y que la obra respire por sí misma. En su serie “Retrodispersión”, los formatos circulares evocan planetas, universos en expansión, movimientos cósmicos que parecen existir más allá del lienzo. No son cuadros: son atmósferas.
Pero si algo define a Salomón Cohen no es solo su capacidad creativa, sino su capacidad de adaptación. Durante la pandemia, cuando las galerías cerraron y el mundo se replegó hacia lo digital, él no se detuvo. Al contrario, encontró una nueva forma de expandir su obra: el criptoarte, los NFTs, el metaverso. Entendió que las nuevas generaciones no solo consumen arte, lo experimentan de otra manera. Y entonces transformó sus piezas en experiencias visuales dinámicas, con movimiento, con música, con interacción. Su arte dejó de estar únicamente en las paredes para habitar también las pantallas.
Esa transición no implicó renunciar a su esencia. Al contrario, la reforzó. Porque, como él mismo lo plantea, el reto no es cambiar por cambiar, sino evolucionar sin perder el origen. Y eso exige algo que pocos están dispuestos a asumir: aprender constantemente. “O te subes al barco o te deja”, dijo durante la entrevista. Una frase que, más que una advertencia, es una filosofía de vida.
Sin embargo, no todo en su camino ha sido aceleración. En un acto poco común en una época obsesionada con la productividad, Cohen decidió detenerse. Dos años de pausa, motivados por cuestiones de salud, se convirtieron en un proceso profundo de introspección. Lejos de significar un retroceso, ese tiempo le permitió reencontrarse con su propia esencia creativa. Volver a pintar desde cero, redescubrir el error, recuperar la emoción primaria de crear sin expectativas. Volver a ser, en sus propias palabras, “como un niño”.
Y es ahí donde el arte alcanza su dimensión más poderosa: la sanación. En su nueva etapa, comenzó a desarrollar obras que, de manera casi inconsciente, reflejaban su propio proceso físico. Las formas, los trazos, las composiciones… todo parecía vincularse con su columna, con su cuerpo, con su proceso de rehabilitación. El arte dejó de ser únicamente expresión para convertirse en cura. En un espejo interno.
Como joven inmerso en el mundo visual, no podía dejar de preguntarle sobre los cómics, ese lenguaje que conecta con generaciones enteras. Su respuesta fue directa y reveladora: claro que son arte. Porque cuentan historias, porque transmiten emociones, porque generan conexión. En esencia, hacen lo mismo que cualquier otra disciplina artística: abrir puertas a otras realidades y, al mismo tiempo, reflejar la nuestra.
Hoy, Salomón Cohen continúa expandiendo su obra más allá de fronteras físicas y conceptuales. Panamá, Argentina, Colombia, Israel. Su arte viaja, se transforma, se adapta, pero nunca se detiene. Porque entiende que el artista contemporáneo no solo crea, también dialoga con su tiempo.
Y quizás esa sea la mayor enseñanza de esta conversación: que el arte no es un lujo ni un accesorio, sino una forma de entender el mundo y de entendernos a nosotros mismos. Que crear no es solo producir, sino sentir, cuestionar, evolucionar.
En un mundo saturado de imágenes, el verdadero reto no es ver más… sino sentir más profundamente. Y en ese sentido, el trabajo de Salomón Cohen no solo se observa: se experimenta.
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